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Negli ultimi anni l’arte è tornata con forza nel racconto finanziario. Complice la ricerca di diversificazione, l’abbondanza di liquidità del decennio passato e una comunicazione sempre più aggressiva, opere d’arte, collezioni e persino singoli artisti sono stati presentati come una sorta di “asset alternativo rifugio”, capace di proteggere il patrimonio dall’inflazione e dall’instabilità dei mercati finanziari tradizionali.

Ma, come spesso accade quando un tema diventa di moda, è necessario distinguere con attenzione tra narrazione e realtà. Perché l’arte può essere una componente importante del patrimonio di una famiglia, ma difficilmente può essere trattata – senza semplificazioni fuorvianti – come un investimento finanziario in senso stretto.

Il fascino dell’arte nel racconto finanziario

L’arte esercita un’attrazione naturale. È tangibile, carica di significato culturale, apparentemente scollegata dai cicli di Borsa. A differenza di un’azione o di un’obbligazione, un’opera non è riducibile a un numero su uno schermo: è qualcosa che si vede, si tocca, si vive.

Su questa dimensione emotiva si innesta una narrazione finanziaria potente. Grafici selezionati, record d’asta enfatizzati, confronti suggestivi con gli indici azionari contribuiscono a costruire l’idea di un mercato stabile, in crescita costante, riservato a chi “sa guardare lontano”.

Il problema è che questa narrazione tende a concentrarsi sui casi di successo, ignorando sistematicamente tutto ciò che non entra nei titoli: opere invendute, artisti dimenticati, mercati locali illiquidi, costi nascosti e tempi di realizzo lunghissimi.

Il mercato dell’arte: un mercato molto meno omogeneo di quanto sembri

Parlare di “mercato dell’arte” come se fosse un’entità unica è già, di per sé, una semplificazione. In realtà esistono molti mercati diversi, spesso scollegati tra loro: per epoche, stili, artisti, aree geografiche, canali di vendita.

Pochissime opere – quelle dei grandi nomi storicizzati o degli artisti contemporanei più affermati – godono di una vera domanda internazionale e di una liquidità relativamente elevata. Tutto il resto vive in mercati ristretti, dove i prezzi sono spesso opachi, le transazioni rare e il valore fortemente dipendente dal contesto.

In questo senso, l’arte non è assimilabile a un asset finanziario standardizzato. Non esiste un prezzo “di mercato” aggiornato quotidianamente, non esiste un book di negoziazione, non esiste una trasparenza comparabile a quella dei mercati regolamentati.

Valore, prezzo e percezione: tre concetti diversi

Uno degli equivoci più frequenti riguarda la confusione tra valore, prezzo e percezione del valore.

Il prezzo è ciò che qualcuno è disposto a pagare in un determinato momento, in un determinato contesto. Il valore è una costruzione più complessa, che tiene insieme qualità artistica, rilevanza storica, provenienza, stato di conservazione, riconoscimento critico. La percezione, infine, è ciò che il mercato – o una sua parte – crede in quel momento.

Nel breve periodo è spesso la percezione a dominare. Mode, trend, operazioni di marketing e dinamiche speculative possono spingere rapidamente verso l’alto le quotazioni di un artista. Ma la storia dell’arte – e del mercato – mostra come molte di queste fiammate si spengano con la stessa rapidità con cui si sono accese.

Liquidità: il grande tema rimosso

Chi propone l’arte come investimento tende a parlare di rivalutazione potenziale, ma molto meno di liquidità. Eppure è qui che si gioca una delle differenze fondamentali rispetto agli strumenti finanziari.

Vendere un’opera d’arte richiede tempo, relazioni, spesso intermediari costosi. Non è raro che passino mesi, se non anni, prima di trovare un acquirente disposto a riconoscere il prezzo desiderato. E non esiste alcuna garanzia che ciò avvenga.

Inoltre, in fase di vendita entrano in gioco commissioni d’asta, costi di trasporto, assicurazione, fiscalità. Tutti elementi che incidono in modo significativo sul risultato finale e che vengono raramente considerati nei rendimenti “teorici” presentati nelle brochure.

Arte e diversificazione: un concetto da maneggiare con cura

È vero che l’arte presenta una bassa correlazione con i mercati finanziari tradizionali. Ma questo dato, spesso citato, va interpretato con attenzione.

La bassa correlazione non significa automaticamente protezione o stabilità. In molti casi riflette semplicemente l’assenza di un prezzo frequente e trasparente. Un’opera che non viene scambiata per anni non mostra volatilità, ma questo non significa che il suo valore sia stabile.

In un portafoglio complessivo, l’arte può avere senso come componente patrimoniale, identitaria, culturale. Ma difficilmente può svolgere il ruolo di strumento di gestione del rischio o di pianificazione finanziaria, soprattutto se acquistata con aspettative di breve o medio periodo.

Quando l’arte ha davvero senso nel patrimonio

L’arte trova la sua collocazione più naturale nei patrimoni già solidi e ben strutturati, dove le esigenze di liquidità, reddito e protezione del capitale sono già state soddisfatte con strumenti finanziari adeguati.

In questo contesto, l’acquisto di opere può rispondere a logiche diverse: passione personale, trasmissione generazionale, valorizzazione culturale, talvolta anche fiscale. L’orizzonte temporale è lungo, spesso intergenerazionale, e l’aspettativa di rendimento non è l’unico – né il principale – driver della scelta.

Quando invece l’arte viene proposta come scorciatoia per “battere i mercati” o come alternativa semplice agli investimenti tradizionali, il rischio di delusione è elevato.

Tra educazione patrimoniale e onestà intellettuale

Parlare di arte e finanza richiede un surplus di onestà intellettuale. L’arte non è una truffa, ma non è nemmeno un prodotto finanziario travestito da cultura. È un mondo complesso, affascinante, elitario in alcune sue parti, profondamente umano nelle sue dinamiche.

Un approccio maturo non consiste nel chiedersi se l’arte “rende di più” delle azioni, ma nel comprendere che tipo di ruolo può avere all’interno di una visione patrimoniale più ampia, coerente con gli obiettivi, l’orizzonte temporale e la sensibilità personale di chi investe.

Separare la passione dalla pianificazione, la narrazione dalla realtà di mercato, è il primo passo per evitare che un’esperienza potenzialmente arricchente – sul piano culturale e umano – si trasformi in una fonte di aspettative mal riposte.

In finanza, come nell’arte, il valore autentico emerge solo nel tempo. E quasi mai segue le mode.

Nel mondo degli investimenti alternativi, l’arte ha un fascino tutto suo. Non si limita a essere un bene rifugio, ma rappresenta anche uno status, un linguaggio, talvolta una passione. Tuttavia, quando la si guarda con occhi da consulente patrimoniale, il quadro cambia. Qui non si parla solo di bellezza o riconoscibilità, ma di liquidabilità, ovvero della concreta possibilità di vendere un’opera nel momento giusto e a condizioni ragionevoli.

È in questa prospettiva che torna utile il recente Intelligence Report 2025 di Artnet, che ha provato a rispondere a una domanda semplice solo in apparenza: quali artisti, oggi, si vendono meglio?

Una risposta utile non solo ai collezionisti più esperti, ma anche a chi – con una visione prudente ma curiosa – considera l’arte come una componente da integrare in un portafoglio patrimoniale ben diversificato.

Quando il nome fa il mercato: Picasso, Warhol e Hockney

Tra gli artisti che garantiscono maggior “movimento” sul mercato secondario, non sorprende trovare Pablo Picasso. Il suo nome è un’istituzione, e la varietà delle sue opere – dalle ceramiche ai disegni, fino ai capolavori su tela – fa sì che ci sia praticamente sempre qualcosa in vendita, in ogni angolo del mondo.

Andy Warhol segue a ruota: la sua produzione seriale, il richiamo alla cultura pop e la sua capacità di attraversare indenne le mode lo rendono uno dei nomi più scambiati e riconoscibili. In altre parole, chi acquista Warhol sa già di poterlo rivendere, magari non con grandi guadagni, ma con tempi ragionevoli.

Un po’ più defilato ma in crescita costante è David Hockney, che si sta ritagliando uno spazio di tutto rispetto tra gli artisti moderni più liquidi. Il suo stile distintivo e la coerenza del percorso artistico lo rendono particolarmente interessante per collezionisti che cercano un buon compromesso tra notorietà e rivalutazione.

I contemporanei storicizzati: Kusama, Richter, Murakami

Il mercato contemporaneo non è fatto solo di scommesse e hype: alcuni artisti viventi sono ormai veri e propri “brand” internazionali. È il caso di Yayoi Kusama, celebre per le sue “stanze infinite” e i pois ossessivi, o di Gerhard Richter, che con la sua eleganza astratta continua a conquistare i collezionisti più tradizionali.

Accanto a loro, Takashi Murakami, che ha saputo mescolare estetica giapponese, manga e cultura occidentale, portando le sue opere a cavallo tra l’arte alta e la cultura di massa. Questi artisti non sono emergenti, né meteore: sono colonne portanti del mercato, spesso presenti nelle fiere, nei musei e soprattutto nelle case d’asta.

Chi sceglie di acquistare opere di questi nomi, lo fa con una logica simile a chi investe in blue chip finanziarie: aspettative moderate, ma rischi contenuti.

Giovani, ma già in vetrina: Boafo, Aboudia, Fadojutimi

Il 2025 conferma anche l’interesse crescente verso artisti emergenti che, nel giro di pochi anni, sono passati da outsider a nomi fissi nei cataloghi delle aste internazionali.

Amoako Boafo, pittore ghanese, è tra i più quotati della nuova generazione. Le sue opere, focalizzate su identità e rappresentazione, hanno trovato spazio nei principali musei e collezioni private.

Simile il percorso di Aboudia, che con uno stile più ruvido e “urbano” ha saputo intercettare un mercato in cerca di autenticità e narrazione sociale.

Poi c’è Jadé Fadojutimi, nata nel 1993, che con le sue tele coloratissime e stratificate ha rapidamente conquistato l’attenzione di critici e investitori.

Tutti e tre hanno in comune un elemento chiave: la velocità. Di crescita, di visibilità, ma anche – e qui va fatta attenzione – di volatilità. Chi investe su questi nomi oggi potrebbe ottenere ottimi ritorni, ma deve sapere che i prezzi possono fluttuare sensibilmente nel tempo.

La via asiatica all’investimento in arte

Non si può più parlare di mercato globale senza includere l’Asia. E anche qui ci sono nomi che spiccano per solidità e scambi frequenti.

Zao Wou-Ki e Zhang Daqian rappresentano il cuore dell’arte cinese da investimento, mentre Liu Ye, anche grazie alla recente mostra alla Fondazione Prada di Milano, si sta imponendo come ponte tra sensibilità orientale e gusto occidentale.

Per un investitore europeo, puntare su questi nomi può significare diversificazione geografica e culturale, ma anche un approccio più selettivo e informato, vista la diversa struttura del mercato asiatico.

Cosa ci insegna tutto questo?

Per chi lavora nella consulenza patrimoniale – e per chi vuole affrontare l’investimento in arte con serietà – ci sono alcune lezioni preziose:

• Non basta il nome: non tutte le opere di un grande artista sono facilmente vendibili. Serve capire la fascia di mercato, la qualità, la provenienza, il formato.
• Liquidità e rendimento sono due facce della stessa medaglia: un artista molto liquido, come Warhol o Picasso, può garantire stabilità, ma raramente performance straordinarie. Al contrario, i nomi emergenti offrono potenziale, ma a fronte di rischi decisamente più alti.
• Serve una strategia di uscita: l’arte non è un investimento “usa e getta”. Prima di comprare, bisognerebbe già sapere come (e a chi) rivenderla.
• Integrare, non sostituire: l’arte non è un’alternativa ai mercati finanziari, ma un’integrazione. Deve occupare una parte coerente – e limitata – del portafoglio, con un orizzonte temporale adeguato.

L’arte non è per tutti, ma può diventare accessibile se affrontata con metodo, strumenti e visione. Il nostro compito come consulenti finanziari indipendenti non è quello di scegliere l’opera per il cliente, ma di aiutarlo a capire quando, quanto e perché l’arte può fare parte del suo percorso patrimoniale.